BEN-HUR

La magia del cine me hechizó desde niño viendo películas como esta. Películas donde se contaban historias grandiosas, hazañas increíbles, auténticas epopeyas con inmensos decorados, miles de extras y actores que nos hacían soñar con que compartíamos con ellos las historias que nos contaban.

De nuevo Charlton Heston interpretando extraordinariamente a un Judah Ben-Hur que le valió un Oscar de la Academia y que nos tiene durante todo el film con el corazón encogido. Acompañado por las no menos maravillosas interpretaciones de Jack Hawkins, Haya Harareet, Stephen Boyd, Hugh Griffith y Martha Scott entre otros.

La fotografía, con una iluminación maravillosa, y los increíbles decorados son de auténtico lujo.

Una película como BEN-HUR es la esencia de todo cuanto para mí representa el cine, y sigo disfrutando, al volver a verla, como un niño.

"Un título que está más allá del bien y del mal, máximo ejemplo de una forma de entender el cine ya desaparecida" (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)

(Me quedo con un consejo de Baltasar a Judah: ‘Son muchos los caminos que conducen a Dios, no te los cierres con el odio o la venganza’).

Fue dirigida en 1959 por William Wyler con guión de Karl Tunberg sobre la novela de Lewis Wallace, y cosechó 11 Oscars, incluido el de mejor director y película.

LAST TANGO IN PARIS / EL ÚLTIMO TANGO EN PARÍS

Me gusta Bertolucci, me encanta Brando... Luego El último Tango resulta ser una película muy especial para mí. Por muchas razones. Hacía mucho desde la última vez que la ví, y sin duda, la he vuelto a ver con otros ojos, desde otra perspectiva. Y me ha gustado más todavía.

Aquí tenemos a un hombre atormentado por el suicidio de su esposa (papel ideal para el genial Brando), y una niña-mujer que se presta a una relación tortuosa, pasional, casi salvaje en la que la condición es no saber nada el uno del otro. Crean así un universo propio en el que nada tiene absolutamente ninguna importancia más que ellos mismos y su pasión sexual. ‘Aquí no tenemos nombre’ le dice él a ella, ‘Es bonito no saber nada del otro’.

Ver a Brando enfurecido, fuera de sí, desquiciado, verlo llorar destrozado por el dolor o como una bestia sexual irrefrenable, con primeros planos fijos de más de 5 minutos, le valieron una nominación para los Oscar, y resulta para nosotros una auténtica gozada visual. En cuanto a su partenaire María Schneider: una mezcla de sexualidad e inocencia capaz de hacer hervir la sangre a todo un Brando.

Es una película dura, controvertida, provocativa, cargada de erotismo y sexualidad, escandalosa en su tiempo (la gente viajaba a Francia sólo para ver la película, prohíbida en otros lugares) y que no deja a nadie indiferente.

Dirigida por Bernardo Bertolucci en 1973 con guión del propio Bertolucci & Franco Arcalli, fue nominada para 2 Oscar (Director y actor).

ADAM’S RIB / LA COSTILLA DE ADÁN

Cine de ‘buen rollo’ es el que generan la carismática y entrañable pareja Tracy-Hepburn (una vez más, pero nunca tanto como en esta ocasión), en ésta deliciosa y superdivertida comedia sobre la ‘guerra de sexos’ desatada entre el fiscal Adán (Tracy) y su esposa, la abogada defensora (Hepburn) de una mujer acusada del intento de asesinato de su marido adúltero.

Super encantadora Hepburn (Pocholina) en su papel de defensora de la causa femenina y enternecedor el pilluelo Spencer (Pocholín) mostrándonos su habilidad para llorar a voluntad, para conseguir los favores de su esposa.

También bordan su papel Judy Holiday ("Nacida Ayer"), Tom Ewell ("La tentación vive arriba") o Jean Hagen ("La jungla de asfalto").

Como rezaría en los carteles publicitarios cinematográficos: ¡Uno de los mayores éxitos de la brillante pareja Tracy-Hepburn!

¿CUÁNTAS VECES LA HABRÉ VISTO YA?

Fue dirigida en 1949 por George Cukor, con guión del matrimonio Ruth Godon y Grason Kanin.

STEALING BEAUTY / BELLEZA ROBADA

Siempre que quiero imaginar un estilo de vida diferente, una existencia ideal, acabo volviendo a ver esta película. Es como soñar despierto, contemplando en bellas imágenes, cómo podría ser de maravillosa la vida si las circunstancias fueran otras.

Dejando al margen a la bellísima Lucy Harmon (Liv Tyler) tratando de descubrir la identidad de su padre, mientras despierta, por fin, a la sexualidad, además de al resto de interesantes personajes compartiendo su odisea (destacando sobre todo al Brando inglés Jeremy Irons como Alex, moribundo escritor que cae rendido a su belleza), lo que nos queda (a mí al menos), es una existencia bucólica en un lugar de ensueño (la Toscana) y todo el tiempo del mundo para dedicarlo a esculpir, pintar, escribir...

Puede un artista soñar con algo mejor?

Incluiría también en es idea de vida perfecta la banda sonora que la acompaña, muy digna para el mundo creado por Bertolucci.

No me interesa ninguna crítica cinematográfica de esta película. Para mí, es un bonito sueño que podría convertirse en realidad.

Dirigida en 1996 por Bernardo Bertolucci con guión de Susan Minot. También aparecen Sinead Cusack, Jean Marais, Carlo Cecchi y Joseph Fiennes.

THE MISSION / LA MISIÓN

La grandeza del cine, desde mi personal punto de vista, reside en su capacidad para EMOCIONAR... y siendo ese mi parecer, aquí presento una GRANDÍSIMA película.

Basada en hechos reales ocurridos en 1756, en la frontera entre Paraguay y Brasil, junto a las cataratas de Iguazú, donde los ejércitos español y portugués asesinaron indiscriminadamente a 1.400 indígenas, la trama gira, básicamente, entorno a dos personajes: un jesuita y un mercenario y traficante de esclavos.

Jeremy Irons (el Padre Gabriel) nos impresiona y enternece con una interpretación cargada de fuerza, sensibilidad y sentimiento. A su lado, Robert De Niro (como Rodrigo Mendoza) nos deja sin aliento y nos estremece con su conmovedora conversión de malvado mercenario y asesino de su hemano, a entregado y devoto jesuita. Dos ACTORES cuya actuación, de por sí, ya merece la película.

También destacan Aidan Quinn (como Felipe de Mendoza), Cherie Lunghi (como Carlotta), Ray McAnally -conmovedor en su visita a las misiones- (como Cardenal Altamirano), Ronald Pickup (como Hontar), Asunción Ontiveros (como Jefe indio) y Liam Nelson (como el jesuíta Fielding)

Fue dirigida en 1986 por Roland Joffé con argumento y guión de Robert Bolt.
La impresionante fotografía (en decorados naturales de ensueño) es de Chris Menges.
La banda sonora, merece capítulo aparte, con Ennio Morricone al frente de la London Phillarmonic Orchestra, emocionándonos, una vez más, con una música y unos coros que ya pasaron por méritos propios a los anales de la historia, y que yo aún conservo en vinilo.

Fue premiada con 1 Oscar a la mejor fotografía. Obtuvo 6 nominaciones más: película, director, fotografía, montaje, música, decoración.

Después de ver La Misión, uno no puede por más que gritar (con los ojos aún humedecidos -llamadme sentimental-) a los cuatro vientos:
VIVA EL CINE!!!

Don Juan de Marco

Prometí a mi querida Marieta que comentaría aquí alguna película de Johnny Depp, y lo prometido es deuda. Y zanjo mi deuda (gustoso, eso si) con este peculiar Don Juan de Marco.

Se trata de una comedia romántica ligera en la que la protagonista es 'la dulce locura del amor', representada a la perfección por Depp en el papel de un Don Juan del XVII en el siglo XX.

Habrá otras películas más valiosas de este actor, pero elegí esta por la especial aportación del inmenso (en esta ocasión, también físicamente hablando) Marlon Brando, en el papel del psiquiatra Jack Mickler, o más bien habría de decir Don Octavio de Flores ‘El poder del amor es inmenso, y nadie lo puede negar’. El cual comienza a replantearse la relación sentimental con su esposa (Faye Dunaway) a raiz de la aparición de su nuevo paciente Don Juan de Marco.

Johnny Depp resulta perfecto para dar vida, resucitándolo siglos después, a un seductor e hiper-romántico Don Juan: ‘En la vida sólo hay cuatro cuestiones importantes, don Octavio: Qué es sagrado; de qué está hecho el espíritu; para qué vale la pena vivir y para qué vale la pena morir... Sólo existe una respuesta: EL AMOR’

'Romanticismo incurable y sumamente contagioso', es el diagnóstico de Brando para Depp (que podría ser perféctamente aplicable a más de uno de nosotros, no creéis?).

Dirigida en 1995 por Jeremy Leven, con guión propio, está co-producida por Francis Ford Coppola, Fred Fuchs y Patrick Palmer.

Este comentario está dedicado a Lola y a Marieta, fans nº 1 (no sé en qué orden) de Johnny Depp, al cual podéis conocer con mayor profundidad en Passion for Johnny Depp.

A STREETCAR NAMED DESIRE / UN TRANVÍA LLAMADO DESEO

He aquí un peliculón, uno de mis favoritos (aunque he de reconocer que tengo buena colección de ellos). Y esque me apasiona ver actuar a esa raza, venida de otra galaxia, de actores y actrices que tan sólo con aparecer en pantalla te subyugan, te absorben la atención y consiguen que te sumerjas de inmediato en aquello que te cuentan, que representan, hasta el punto de hacerte olvidar, por unos momentos, que nada tienen que ver con las personalidades que adoptan para dar vida a una historia que parecen vivir como propia.

En mi modesta opinión, de enamorado del buen cine, Marlon Brando, en su increíblemente intensa y tormentosa relación con Stella y con Blanche, nos emociona con su interpretación, dando la sensación de que no actua, que es real lo que vemos, que Stanley Kowalsky existe, que es él mismo.

Vivian Leigh nos angustia con su papel de la neurótica Blanche Dubois, premiado merecidísimamente con un Oscar. Kim Hunter y Karl Malden (brillante también, en su tortuosa relación con Blanche) obtuvieron el Oscar a los mejores actores de reparto.

Como curiosidad, la argucia del genial Elia Kazan, que a medida que transcurre la película, fue estrechando las paredes de la, ya de por si, lúgubre morada de los Kowalski, para ir acrecentando la sensación de ahogo y claustrofobia en este intenso drama.

Basada en una obra de teatro de Tenessee Williams, fue dirigida por Elia Kazan en 1951, con guión del propio William y Oscar Saul. Obtuvo 12 candidaturas a los Oscar, ganando 4 de ellos...

Y Brando no se llevó el Oscar!

Para gustos, colores.

Lo que no hay que hacer es dejar de subirse a este TRANVÍA LLAMADO DESEO.

(Un viejo recuerdo encontrado entre las páginas de su biografía: un autógrafo del mítico director cinematográfico Elia Kazan (Un tranvía llamado deseo, La ley del silencio, Al este del edén, Esplendor en la hierba) recogido en la parte trasera de un bonobús, durante su visita al Cinema del Mediterrani de Valencia en los 90).

REBEL WITHOUT A CAUSE / REBELDE SIN CAUSA

Intenso drama juvenil, en el que queda retratada la desesperanza y frustración de los jovenes de la posguerra en Estados Unidos (¿Por qué hacemos esto? —Jim a Buzz antes de saltar por el acantilado—. Algo tenemos que hacer.), y que muy bien podría transcurrir en nuestros días.

Aquí tenemos a la esencia del mejor Dean en estado puro, y que deja entrever lo que habría podido llegar a ser en el mundo del celuloide. Nos quedamos con las ganas de verlo sumergiéndose y adueñándose de toda suerte de personajes e interpretaciones.

Sin ser un fan de Dean, he de decir que disfruto con su intensísima interpretación, al igual que con la de la jovencísima/bellísima Natalie Wood. Sorprende encontrar también a un desconocido (por joven) Dennis Hooper.
Tampoco podemos dejar de disfrutar de un Sal Mineo adolescente, que fue nominado al Oscar por su magnífica y ambigua interpretación como Platón.

Viendo a Dean en esta película encontramos la base de la interpretación en sus papeles de chico malo de un tal Brad Pitt. Observad esos guiños, esos ladeos de cabeza, esas sonrisas...

Curiosamente, los tres protagonistas de este drama murieron prematura y trágicamente antes de tiempo: James Dean en accidente de coche con apenas 24 años, Natalie Wood ahogada a los 43 y Sal Mineo acuchillado a los 27. Increíble, no?

Dirigida en 1955 por Nicholas Ray, con guión propio y de Stewart Stern, fue candidata a tres Oscars (Sal Mineo, Natalie Wood, Nicholas Ray)

Si os gusta el buen cine, no os perdáis una de la 100 mejores películas americanas de todos los tiempos (American Film Institute).

Blade Runner

Yo tenía 20 años. Fuí una noche de viernes al cine a ver una película de ciencia ficción, y salí de la sala con la sensación de haber visto la mejor película del genero de toda mi vida.

Los años que han pasado todos los sabéis, y tras volver a verla, una vez más, os puedo asegurar que la sensación es la misma que entonces (incluso crece con el paso del tiempo).
Creo que es la película perfecta (en éste género), por argumento (los temas trascendentales que toca), por interpretaciones (personajes), por el tempo (me encanta su lentitud), por la intensa atmósfera en la que transcurre la acción (descubrí en ella todo el universo creado por mis admirados Moebius, Bilal), y cómo no, por la genial banda sonora de Vangelis, sin la cual, Blade Runner no sería la película TOTAL que es.
Es mi opinión personal, por supuesto (que es la que siempre aportaré en este espacio).

Interpretada por Harrison Ford en plena forma tras el éxito de Star Wars y un año antes de Indiana Jones, Rutger Hauer, genial en su papel del replicante Roy Batty, Sean Young, impuesta por el director a pesar de su inexperiencia, como Rachael, Edward James Olmos (también brillante) y Daryl Hannah, como la replicante Pris (preciosa, inquietante).

Dirigida por Ridley Scott en 1982 con guión de Hampton Fancher y David Peoples, basado en la novela de Philip K. Dick ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? (Do Androids Dream of Electric Sheep? (1968)). Obtuvo 2 nominaciones a los Oscar.

La edición coleccionista de 5 discos es una gozada, pero ya puede Mr. Ridley Scott editar cuantas versiones y montajes finales quiera; yo me quedo con la primera versión de 1982, que es la que tuve la fortuna de descubrir una buena noche de cine.

Por cierto, ¿cuál es mi otra peli de CI-FI favorita? ALIEN ‘El octavo pasajero’ (1979), también de Ridley Scott.

Si no la habéis visto aún... A QUÉ ESPERÁIS?

Mucha + información sobre la película

War of the Worlds / La Guerra de los Mundos

PARA TODOS LOS GUSTOS.

La versión de 1952, dirigida por Byron Haskin, podríamos decir que resulta deliciosa, tanto por el aroma a otra época que destila (los dorados años 50, en cuestión de cine), como por los impactantes efectos especiales (en un tiempo en que contaba más la imaginación que el presupuesto), que resultaron premiados con un Oscar de la Academia.

Resulta conmovedora la interpretación de la pareja Gene Barry y Ann Robinson (tan inocentes) que acaban convirtiendo el terrible drama del fin del mundo en una historia de amor.

Con todos sus defectos, pero también con todas sus virtudes, la versión original de la adaptación de la novela de H. G. Wells, hay que verla y disfrutarla como merece.

Por su parte, la versión de 2005 de Steven Spielberg, nos deslumbra con sus hiperrealísimos (por carísimos) efectos especiales. Aquí la historia que nos conmueve es la de un padre luchando por salvar la vida de sus hijos mientras trata de reconquistar su cariño. Tom Cruise en su papel, John Williams añadiendo dramatismo con su orquesta, y el espectáculo visual, sin parangón.

Si Mr. Herbert George Wells levantara la cabeza y tuviera que quedarse con una de las dos películas basadas en su novela, cual eligiría?

Viendo las dos versiones en una tarde, uno se da perfecta cuenta de la increíble evolución que el cine ha experimentado en esos 50 años. Sin embargo uno se alegra de poder darse el inmenso placer de poder disfrutar de ambas experiencias casi con la misma intensidad.

ES LA MAGIA DEL CINE.

(Ver comentario de TRONCHA, muy bueno)

Roman Holiday / Vacaciones en Roma

Primera película como protagonista para una Audrey Hepburn absolutamente deliciosa, dulce, maravillosa, hermosísima, de la cual resulta imposible no enamorarse al verla en pantalla (sobre todo después de pasar por las manos del peluquero Mario Delanni -en la película-), en un papel cargado de inocencia y ansia por disfrutar de la vida. Gregory Peck sabía lo que se hacía al negarse a aparecer en solitario en los créditos, pues por esta aparición junto a él (ya consagrado en Hollywood) Audrey se llevó el Oscar a la mejor actriz.

Gregory Peck está en su papel, de galán, de pillo (me encanta), y la química entre la pareja no pasa desapercibida. Les acompaña Eddie Albert en el divertido papel del fotógrafo amigo de Peck.

Como escena curiosa, la de Peck dando un susto de muerte a Audrey al ser ‘mordido’ en ‘La boca de la verdad’. La broma de Peck (real) fue aprovechada por Wyler al ver la reacción tan espontánea y divertida de Audrey. Genial.

El maestro William Wyler dirigió esta comedia romántica con su inconfundible estilo y con innovadores recursos en rodaje de exteriores, ya que quiso rendir un hermoso homenaje a la ciudad eterna (consiguiéndolo, sin duda).

Vacaciones en Roma cosechó 3 Oscars de las 10 nominaciones que obtuvo.

A todo lo dicho, queda lo mejor: VERLA!

Producida y dirigida en 1953 por William Wyle, con guión de Dalton trumbo.

2001: A Space Odyssey / 2001: Una Odisea del Espacio

Hace ya 40 años de su estreno, y al volverla a ver (por enésima vez... ¿a cuántas veces equivale enésima?)... sigo pensando lo mismo: si el cine es sobre todo imágen, mirar la pantalla y maravillarse con lo que percibimos, entonces estamos ante una verdadera obra de arte. En este caso, por encima del guión (escrito a medias entre Kubrick y Arthut C. Clarke) y de la interpretación personalizada que cada uno quiera darle, lo innegable es que ver esta película es como entrar en un museo y contemplar, una tras otra, verdaderas obras de arte, cuadros en movimiento de la odisea del espacio al son de los valses de Strauss. La fotografía, los decorados, los giros de cámara creando la sensación de ingravidez, los efectos especiales (que fueron premiados con un Oscar), acompañados por una banda sonora magistralmente elegida, nos consiguen hechizar e inquietarnos a la vez al contemplar lo que se desarrolla ante nuestros sentidos.

Puede resultar, es cierto, algo tediosa con planos tan largos y pausados, y algo confusa ante la carencia de diálogos que ayuden a comprender la historia. A mí me lo compensa lo anteriormente expuesto. Cuestión de gustos, claro está.

El caso es que estamos en 2008, y la única Odisea que nos queda es la de enfrentarnos a la responsabilidad de salvar el planeta Tierra. En el tema fechas se columpió un poco Stanley.

Como curiosidades:
Alex North fue el compositor inicial de una banda sonora que no llegó a estrenarse con la película (por decisión del mismo Kubrick) y que posteriormente fue dada a conocer alcanzando enorme éxito.

También está aquello de que fue Kubrick quien rodó las imágenes de la llegada del hombre a la Luna (que todos conocemos), en los mismos decorados de 2001. No os podéis perder el documental ‘Opération Lune, 2002’, donde, desde la mismísima mujer de Kubrick, pasando por todo un ex-secretario de defensa norteamericano, Donald Rumsfeld o uno de los hombres que ha ostentado gran poder a nivel mundial Henry Kissinger, el astronauta Buzz Aldrin, tripulante de aquella supuesta primera misión con alunizaje incluido, o Vernon Walters, director de la CIA en los años 70, confiesan todo lo ocurrido. Vedlo para creerlo.

Mi veredicto para 2001: una odisea del espacio:
Una auténtica sinfonía de imágenes.

También tenéis una crítica más extensa e interesante que no debéis perderos en
La Linterna Mágica

Producida y dirigida en 1968 por Stanley Kubrick, con guión de Arthur C. Clarke y el propio Kubrick. Ganó un Oscar a los efectos especiales (y espaciales)

Witness for the Prosecution / Testigo de cargo

Billy Wilder, un maestro en el arte de la comedia (El apartamento, La tentación vive arriba, Con faldas y a lo loco, Bésame tonto...) demuestra en ésta brillante película de intriga su dominio en el drama, en el trhiller, en el arte de mantener en suspense a la audiencia hasta el final.

Basada en una obra teatral de Agatha Christie, Wilder supo sacarle partido al argumento rodeándose de un especial elenco de actores, encabezando el reparto el gran Charles Laughton, con una interpretación magistral del famoso abogado Sir Wilfrid Robarts, acompañado por el galán Tyrone Power y la siempre misteriosa Marlene Dietrich. También aparecen Elsa Lanchester, John Williams y el carismático Henry Daniell.

El argumento, sin comentario, hay que verla, esa es mi recomendación, y prestando mucha atención a la actuación de Laughton y al desenlace final.

Este director es autor de algunas de mis películas más queridas (Qué ocurrió entre mi padre y tu madre, Irma la dulce, Sabrina, las ya nombradas de Marilyn, y por encima de todas El crepúsculo de los dioses, que también me gustaría comentar aquí).

Con guión de H. Kurnitz y Wilder, fue dirigida en 1957 por Billy Wilder y obtuvo 6 nominaciones a los Oscars, incluyendo al de mejor actor (Charles Laughton).

Citizen Kane / Ciudadano Kane

Orson Welles era un genio, con esta rotunda afirmación queda todo dicho... Sin embargo me voy a extender algo más.

Orson Welles se adelantó a su tiempo, y con su atrevida aportación creativa, el cine cambió para siempre. Su innovadora forma de utilizar las luces y las sombras, picados y contrapicados, la profundidad de campo, los contraluces, los angulos inverosímiles de cámara, los múltiples flash-backs y, en definitiva, toda una galería de nuevos conceptos hasta entonces nunca vistos (reunidos en una única película), lo convirtieron, a ojos de la crítica, en un artista único, ‘digno de los más grandes espíritus del Renacimiento’.

En Ciudadano Kane tenemos la magnífica oportunidad de descubrir al genio, en su obra más mítica, donde desarrolla con total libertad todos los argumentos que lo elevaron a la categoría de genio.

Es un film donde, además, tenemos la ocasión de disfrutar de su presencia como actor, una presencia que llega a abrumar al resto del reparto, a excepción hecha del también imponente Joseph Cotten. También destacan Everett Sloane y Dorothy Comingore.

Ciudadano Kane optó a 9 Oscars (incluido el de mejor actor principal), llevándose tan sólo el de mejor guión.
En distintas encuestas realizadas a críticos de todo el mundo suele aparecer como mejor película de la historia.

Es una película en la que, con cada visionado, podemos descubrir un sinfin de nuevos matices, nuevos detalles, y disfrutar del increíble talento de Orson (como actor, director, ARTISTA) sin dejar de sorprendernos ante su maestría cinematográfica.

Fue dirigida en 1941 por Orson Welles, con guión suyo y de Mankiewicz.

Rope / La soga

Otra obra maestra de Hitchcock (y aún comentaré alguna más) tanto por lo original de la misma, el suspense y la tensión que se mantiene durante las 77 minutos que dura el film, como por la magistral interpretación de los personajes principales. James Stwart, como el antiguo profesor de Farley Granger y John Dal, artífices de un supuesto crimen perfecto, nos meten de lleno en una espeluznante historia basada en un asesinato real cometido por Leopold y Loeb sobre un compañero de facultad (al que estrangularon) por el solo hecho de sentirse superiones intelectualmente.

De forma parecida a ‘La ventana indiscreta’, Hitchcock creó un decorado completo del piso donde transcurren los hechos, incluída una panorámica de la ciudad formada por un ciclorama gigante con nubes de fibra de vidrio (que van moviéndose) y miniaturas de los edificios de Nueva York y perfilados contra el horizonte iluminados por 2.000 bombillas incandescentes y 200 letreros de neón (que ván encendiéndose a medida que anochece).
Las paredes del apartamento se tuvieron que diseñar para que fueran móviles, y así poder ir haciendo espacio para el movimiento de las cámaras y el equipo, ya que se rodó en planos contínuos de 10 minutos de duración. Un verdadero reto que el propio Hitchcok decidió asumir.

Resulta particularmente delicioso observar cada una de esas largas tomas, en que los actores se mueven sincronizadamente, como si de una coreografía se tratase, para hacer creíble un plano tan largo. La película es corta, pero aún lo parece más por lo que se llega a disfrutar.

La soga fue el primer film en color de Hitchcock, además de ser el primero también como productor y director independiente, y el papel principal estaba pensado, en un principio, para Cary Grant.

Una película única que hay que ver sin falta. Ya es un hábito para mí..

Dirigida por Alfred Hitchcock en 1948

Everyone Says I Love You / Todos dicen I Love You

Un musical de Woody Allen? Siiiiiiiiiiii. Pero no sólo es eso, es además una comedia musical deliciosa, de lo más entrañable y maravillosa (no puedo evitar gritarlo a los cuatro vientos).

En ella se habla del amor, del desamor, de la pasión, de la familia, y de cómo superar, con humor, todas las adversidades de la vida. Una gran familia encabezada por el matrimonio Alan Alda y Goldie Hawn y el ex-marido de esta, Woody Allen, con sus hijos e hijastros luchando por sobrevivir a los dramas diarios de cada uno de ellos (siempre con el trasfondo del amor en todos los casos).

Cómo no, Allen aprovecha de nuevo la ocasión para hacer un maravilloso retrato (preciosa fotografía) de la ciudad de Nueva York, pero además nos deleita y hace lo propio con la romántica Paris y la mágica Venecia (sic).

Es inevitable hacer mención al extraordinario reparto, con una bellísima Drew Barrymore junto a su prometido Edward Norton (jovencísimos ambos), una preciosa y ‘pelirrojísima’ Natasha Lyonne y a Natalie Portman en plena adolescencia. También la aportación estelar de Julia Roberts, Lukas Haas (el niño de Único testigo hecho un hombrecito), Gaby Hoffman (Amigas para siempre) y David Ogden Stiers (El turista accidental).

Pero mención aparte merece la aparición no estelar sino galáctica de Tim Roth como el ex-presidiario Charles Perry. Ver su interpretación merita ya de por sí ver la película entera. No os lo perdáis.

Y si, además todos cantan en este musical, plagado de canciones deliciosas y musica conmovedora (además de divertida), hasta el mismísimo Allen lo hace (nadie se luce en el canto, es verdad, pero ni falta que hace, desde luego).

Mi último comentario no podía ser otro que para el baile que se marcan Allen y Goldie a orilla del Sena la noche de nochebuena, cargado de melancolía y de mágicos vuelos.

Si queréis acabar la noche con muy buen sabor de boca... no dejéis de DECIR I LOVE YOU.

Escrita y Dirigida por Woody Allen en 1996

North by Northwest / Con la muerte en los talones

Peliculón antológico. También destacaré algunas otras de Hitchcok, pero ésta sobre todas las demás, desde luego (por algo fue aclamada por el Instituto de Películas Americanas como una de las mejores obras jamás realizadas).

Cary Grant (del que también habrá mucho cine aquí) se encuentra a sus anchas en un papel que borda aquí, interpretando a un Roger Thornhill, agente de publicidad, que es confundido con un espía imaginario llamado George Kaplan (quién no recuerda éste nombre?). Más Cary Grant que nunca.
El reparto, de lujo, se completa con su partenaire, la bellísima Eve Marie Saint (La ley del silencio), el imponente James Mason y el enigmático (en este papel) Martin Landau, entre otros.

Una historia de espionaje, de acción trepidante, con el inevitable romance y cargada de elegante sentido del humor, con un guión perféctamente hilvanado para mantener el suspense y la tensión hasta el último momento cumbre en lo alto del monte Rushmore. Una fotografía exquisita y un montaje acertado acaban por redondear una gran película.

En este thriller se reunieron por cuarta y última vez Cary Grant y Alfred Hitchcok.

Otra de esas películas que te deja muy buen sabor de boca. Yo no me canso de verla.

Con guión de Ernest Leham y dirigida por Alfred Hitchcok en 1959, fue preseleccionada para 3 Oscars.

MANHATTAN

Con esta película Allen rinde un homenaje encantador, sublime y humano a un lugar (y un momento determinado) del que Allen se siente perdidamente enamorado, construyendo un retrato irónico y conmovedor de la existencia de unos seres que tratan de sobrevivir en esa jungla que es la gran manzana.

Es la primera incursión de Woody Allen en el formato blanco y negro (que repetirá en más ocasiones), y la idea de ésta historia le surge de su pasión por la música de George Gershwin, que le inspiró una historia romántica en su ciudad amada 'Lo que siento por la ciudad de Nueva York es dificil de decir en pocas palabras'.

Personalmente es otra de mis preferidas (ya se verá que tengo varias preferidas de éste autor), quizás por el melancólico aroma que destila a cine clásico, por la exquisita fotografía en blanco y negro, por la natural fluidez de los diálogos, y cómo no, por la lograda interpretación tanto de Allen como de la Keaton (de la que también soy enamorado admirador), junto con la estelar aparición de Meryl Streep y la jovencísima Mariel Hemingway.

Ver ésta película es como abrir la vieja caja metálica de galletas donde guardamos las antiguas postales de los viajes de nuestros abuelos, y encontrar allí los recuerdos de un viaje, del siglo pasado, a la ciudad de Nueva York.

Tenéis que verla!

Escrita y dirigida por Woody Allen en 1979. Fue nominada para 2 Oscars.

Casablanca

Una de mis películas favoritas, sin duda. Creo que nunca me cansaré de verla. El Café Américain de Rick es uno de los lugares que me gustaría visitar si los sueños pudieran convertirse en realidad. Tomar una copa elegantemente vestido mientras escucho a Sam tocar una y otra vez 'As time goes by', y por qué no, invitar a mi mesa al mismísimo Rick, si es que no andaba detrás de Ilsa en esos momentos.

Mágica química la que surge entre la pareja protagonista, de una intensidad que emociona, y emotiva la relación entre Rick y el capitán Renault (Lui)... 'este puede ser el comienzo de una gran amistad'.

Cabe señalar (como curiosidad) que la frase que hizo famosa a la película 'Play it again, Sam' (Tócala otra vez, Sam) nunca fué dicha en la cinta.

La atmósfera creada en este film, junto con las imponentes presencias de Bogart e Ingrid, junto con las no menos estelares del seductor Paul Henried, la del siempre inquietante Peter Lorre (subyugante), el malvado (no en este caso) Sydney Greenstreet y el pícaro afable Claud Rains, convierten este largometraje en indispensable para todo buen amante del cine.

Cuando pienso en cine, en elegir una película que me haga sentir algo muy especial, que me devuelva a los viejos tiempos, a los buenos tiempos, me digo:
SIEMPRE NOS QUEDARÁ CASABLANCA.

Ganadora de 3 Oscars. 1942. Director: Michael Curtiz

Guess Who's Coming to Dinner / Adivina quien viene esta noche

Una de mis debilidades. Cuando apetece llorar viendo buen cine, ésta es una opción ideal. Con el trasfondo de la relación interracial, tan actual todavía, tenemos aquí a un reparto excepcional para contarnos una historia que nos conmoverá a todos.

Por una parte, la pareja (también en la vida real, que no matrimonio) de Spencer y Katharine, bordan unas interpretaciones insuperables, enternecedoras, magistrales (el discurso final del señor Drayton acabas viéndolo algo empañado, debido al torrente de lágrimas que te desbordan). La química que se genera entre ambos (Tracy en el final de su vida y Hepburn con los evidentes estragos del Parkinson) convierte su interpretación en una de las más inolvidables de sus carreras.

En cuanto a Sidney Poitier... todo un privilegio contemplar a éste actor que llena con su sola presencia la pantalla (claro está que acaba apagando el lucimiento de su pareja, Katharine Houghton) en un papel que realmente parece escrito para él.

Ésta fue la última película (de las 9) que Tracy y Hepburn rodaron juntos. Él murió 10 días después de finalizar el rodaje (sin llegar a verla concluida). El público asistió en masa a su estreno, y la película se convirtió (en su momento) en la más taquillera del estudio.

Dirigida por Stanley Kramer en 1967, fué nominada para 10 Oscars y acabó llevándose 2, uno para Katharine Hepburn y otro al mejor Guión Original.

Si alguno de vosotros aún no la habéis visto... Adivinad qué película tenéis que ver esta noche...

The seven year itch / La tentación vive arriba

Mi película favorita de Marilyn, la más vista, la más amada. La vuelvo a ver siempre que quiero pasar un rato agradable, con una sonrisa siempre en la boca, con el sabor dulzón de la sensualidad, y la edulcorada inocencia de otra época (siempre me gustaron aquellos años 50 de colores apastelados, mujeres voluptuosas y caballeros entrajetados de educación exquisita —que no viví, por supuesto).

En ésta película, Marilyn encarna un papel para el que ella ha nacido, de mujer extremadamente sexy, pícara, de inocente actriz en ciernes que se instala en el piso de arriba de un hombre (Tom Ewell, genial también en su papel) que ha enviado a su mujer y a su hijo a pasar fuera el verano. Se trata de una comedia muy divertida con el trasfondo de la moralidad y la fidelidad del hombre luchando duramente contra la irresistible atracción de la Monroe.

La escena de Marilyn dejándose refrescar sobre las rejas de ventilación en la calle, con sus faldas volando provocadoras, es todo un icono en el mundo del séptimo arte.

Marilyn Monroe... Puro glamour, sensualidad, voluptuosidad, sexualidad disfrazada de inocencia... así la he visto yo desde siempre, y quizás porque ella moría 3 meses y 3 días después de que yo naciera, puede que algún lazo invisible nos uniera de alguna forma para siempre...

Dirigida por el genial Willy Wilder en 1955.

Play it again, Sam / Sueños de seductor

He de reconocer (sin el menor rubor) que soy un seguidor acérrimo de Mr. Allen Stewart Konigsberg desde hace ya mucho tiempo (me recuerdo con 14 años viendo Bananas en el cine Jerusalén, con dos vecinos más pequeños que yo y que no acababan de entender qué era aquello que estábamos viendo).

Sueños de seductor (Play it again, Sam) es una de mis películas preferidas de su etapa antigua. Entre otras cosas por el homenaje que se rinde con este film a CASABLANCA, con la aparición 'fantasma' estelar de un realísimo Humprey Bogart como voz de su conciencia, y con una parodia del clásico final en el aeropuerto digna de destacar.
Esta comedia es de las más divertidas y frescas con un Woody tratándo de impresionar a cuanta mujer se cruza por su camino para conquistarla con la ayuda de sus amigos, después de ser abandonado por su mujer amada (real como la vida misma).

Es, por otra parte, la primera colaboración de Diane Keaton con Allen, una de las muchas que posteriormente compartirían y que les llavaría a conseguir un Oscar para ambos en Annie Hall.

1972. Dirigida por Herbert Ross sobre un guión de Woody Allen.

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